明清时期的绘画有什么特点？
明代前期主要受浙派影响，加上明自宣德时起，院体画的兴起和形成，致使统治者不喜欢元四家文人画风，大力倡导南院体画风，形成浙派风尚。浙派影响最大的人物是戴进，其用笔顿挫有力，构图繁密得体，水墨淋漓苍劲。明代晚期则以华亭画派为主，在吴门派的延续中，以董其昌为代表的一批文人画家，在承依元四家传统的基础上，追求笔墨情蕴，创立华亭画派，在创作上也是开宗立派，而且还划分了绘画宗派理论，提出南北宗论。清初以四王为代表，他们汲取元代山水画营养，又承依董其昌衣钵，形成自家风范。笔墨苍茫雄健，泽润郁勃，清逸娟秀间不乏荒率气韵。与四王同时饮誉画坛的还有吴力和恽寿平，也是受四王影响较深，晚期山水自成一家。除了清初四王，清代四僧在画坛影响也是众所公认的。他们在绘画上借古开今，独辟蹊径，各自在自我绘画语言里取得了炉火纯青的艺术成就。他们以文章书画作为精神寄托，借助笔墨而言心志……
前期以工笔为主
后期以写意见长
明代时期
明代中期以前宫廷绘画继承了两宋院体而重新昌盛，出现了像边景昭、林良、吕纪、谢环等院体大家。而其画风所及，又形成了地区的流派特色，产生了以戴进、吴伟为首的浙派。明中、后期，宋元以来的文人水墨画风才得以重新复兴，发展为以明四家沈周、文征明、唐寅等为代表的吴门画派。以及由董其昌为代表的松江派。在花鸟画方面，技法不时有所创新，陈淳、徐渭所开拓出的大写意花鸟，笔墨豪迈，对清季花鸟画坛影响很大。
清代时期
明清时期的绘画思潮可以分为四个方面：其一是宫廷绘画的复兴，明代有锦衣卫所附设的画家制度，清代对于供奉画家有如意馆的设置。其二，是文人画的暗转和绘画商品化的兴起。其三，是西洋绘画的传入。其四，是绘画画派的蜂起和画家们对画科题材的全能。针对此点，从明代中、后期到清代，这段画史不再按照人物、花鸟、山水分科目介绍，而是按照画家的画派归属来作介绍。 清初的画坛，出现若干富有地方特色的绘画流派。以摹古为主的四王一系山水占据着统治地位。此外四僧、金陵八家，注重体察自然，各有独特创造。常州画派的恽寿平变徐崇嗣的没骨法，开写生花卉新境界。扬州画派标新立异，个性强烈。而清末聚集在上海地区的画家在题材内容和艺术形式都有创新，成为海上画派。
为什么普通老百姓看不懂国画，爱好者也只是一知半解，而真正看出门道的却是内行者？
【外行人看热闹，内行人看门道】任何行业都存在此种情况，因为术业有专攻。
在现实社会中，对于中国画的认识与解读，我认为存在三个层面。
第一层:画的是什么？画得像不像？
普罗大众，没有正经接受过美术教育者，绝大部分人属于此范畴。其观察点在于画与实物之间是否真实形似。像就是评价画的唯一标准。
第二层:画的是什么？画得像不像？画家画这种画的寓意是什么？
这部分人除了对物质外形的认识之外，会认真思考一些情景交融，即借景抒情。也会思考齐白石提出【似者媚俗，不似者欺世，妙在于似与不似之间】。太写实讨好世俗，没有个人价值取向，感情诉求；不像是指鹿为马，欺世盗名；最妙的在于让读画者猛看挺像，细看不像，仔细推敲后回味无穷，令人神往。能认识到这点，加上相应文化素质打底，基本上已经真正看懂一幅画了。
第三层:内行看门道。内行人看画是先看画的意境及神韵，接着看整体气势，笔墨趣味、构图、着色、笔力、技法、创新性等，最后才看它的造型，即是像不像的【形似】。
因为这种神韵是一种高雅的艺术审美享受，常常是中国画家们追求达到的目标。
一般如何才可以体验到神韵呢？这需要一定的审美能力，艺术修养，也需要具备一定绘画方面的基本知识，特别是通过绘画练就的感觉。也只有经磨励前行的内外兼修来支撑，才能真正体悟到画中的意境及神韵。
通过以上三个层级们划分，我相信很多人能自知自明，清楚地知道自己属于那一个层次。
谢谢邀请。作为一个山水画家，我认为国画太“高冷”，让老百姓都欣赏不了。
可以把国画画的通俗易懂，人人看的懂，怎么不好，齐白石的虾、徐悲鸿的马就是最好的佐证，家喻户晓，人见人爱，个个都懂。
看的懂是好事，看不懂也不是坏事。国画是门高雅的艺术，艺术自然有艺术的规律，国画发展到今天，又有多少人看的懂？不懂者不止是普通老百姓，许多内行人也不懂。艺术当随时代，欣赏也当随时代，学点欣赏国画的基础知识，关注下国画的发展方向，掌握点国画的脉搏，这样的话，还能看不懂吗？
国画并不高冷，我觉得懂与不懂和一个人的认知有关，也与专家与媒体的引导有关。
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