国画！我们民族文化之魂

江南的小桥流水、塞北的万里冰封、广西的桂林山水、大西北的敦煌莫高窟、九寨沟、东部的万里群山，无时不刻展示了大自然的鬼斧神工和国人的智慧！造就了伟大的山水之美，山中有景，景中有烟火人家……历代风流人物更是层出不穷，他们用画笔淋漓尽致表现出中华的秀美河山和千古人物动物，花鸟鱼虫，这就是国画！

国画的表现形式多样，工笔，水墨白描、泼墨重彩等，构图讲究近大远小，近实远虚，高远平远深远结构，表现手法更是繁杂多样！清代郑板桥弃官不做专心画竹，竹之气节为我中华！近代画家李可染的《万山红遍》丛林尽然、张大千晚年的泼墨重彩，更是红遍大江南北、白石老人的虾仿佛在游动、白菜上的蝈蝈似乎在鸣叫……人物画，早期有芥子园画圃行业之典范！清明时期张择端的《清明上河图》更是万人皆知，近代范增人物画也很优秀！名人名家举不胜收，他们以 国之画，来表现我们的万里江山和千古人物……

为什么要国画呢？国画不仅能表现我们的山川美景，还能陶冶情操、丰富人们的业余生活，同书法一样传遍世界，让所有的世界友人更加关注、关爱我们的祖国！国画不仅属于中华民族的，她也属于世界的……

如何表现中国画艺术价值的独特性？

中国画的表现形式是极其独特的，它不同于西画中的焦点透视的观察方法，中国画是运用散点透视，“饱看卧游”式的利用高远、平远、深远不同视点，站在不同角度来组合画中内容，这种巧妙地运用能使画家在表现大自然大场面景物的同时更加自由，摆脱了站在一个视点观察大自然的约束。或许有人要问这种方式对画面的安排是否科学，是否有悖于人们通常对景物观察而产生的视觉矛盾，恰恰是这一点才能真正体现中国画的独特性。画家对不同地域大场面的景物通过转移取舍、攫取最美的物象重新有机地组合在一起，使之更高于自然。这就是中国绘画所具备的功能、风格与之显现更高境界的特征。

技法方面，中国绘画有它的理论法则规范和规律，尤其是绘画技法规范。绘画技法规范包括对笔墨运用的理解和认识，笔墨讲求干、湿、浓、淡、焦。墨分五色是在造型过程中一种必不可少的变化手段，同时代表着不同取向，它们相互有机地组合，使画面产生节奏感。就如同音乐中的五音“宫、商、角、徵、羽”，经过有机地组合产生了美妙悦耳的乐曲，引领人们思绪通过婉转悠扬的音调而产生联想。在绘画的过程中技法的运用始终伴随着画家的思绪在不断地发挥作用，对技法把握的纯熟以及水平的高低直接关系到作品的优劣程度。前人通过实践总结出的表现形式如蘸墨法、积墨法、泼墨法、破墨法，如何通过毛笔的运动把握这些墨法的运用，理解它们相互之间的关联，在绘画创作过程中在什么情况下采取哪一种方式方法都有着其中的规范标准，它是非常专业性的。中国画以线为造型基础，如何用不同造型的墨线和不同的用笔用墨方法来塑造画中的形象都是用极其特殊专业的方法来完成其过程的，使画中的形象既不同于大自然的形象，也有异于照相机所具备的功能而形成的图像，又能使观赏者视为认识和认知的图像。这一过程需要重新观察，经过取舍，重新组合，人为地强调疏密，追求它的动势、视点、前后的空间关系。用墨的浓淡干湿焦，营造出符合视觉的气氛，实际是运用抽象的过程来完成的。之所以被人们所接受，审美习惯的形成有赖于历代众多艺术家的共同努力而逐步形成的。

理想的绘画作品无论是内容、形式、技法三个方面都是遵循着延续发展传统模式的发生而发展的，当今正是多元时代发展的时期，高大的建筑需要大幅的中国画来装饰，人们的视界更广博，然而终究离不开这一发展模式。东方人在这一审美环境氛围中培养出独特的审美习惯，实现这一习惯就是时尚。纵观历史，宋画更贴近自然，画面追求静穆、博大，元代绘画风格和宋代有所不同，少数民族入主中原，宫廷不设画院，士大夫文人画家更钟情于山林的虚幻，追求笔墨的超脱与空灵。明清两代沿袭模仿风日盛，其中有利有弊，画家群分为画院内外风格迥异的现象，院外画家更加自由发挥自身的才能，涌现了像徐渭、四僧、扬州八怪等卓有成就的画家，艺术水准的升华直接影响了近代画家的发展。当代山水画的佼佼者如黄宾虹先生，集前人墨法之大成一扫明清模仿之风，傅抱石先生的皴法从传统中解脱出来，更富潇洒充满激情，李可染先生运用传统的积墨，破墨法加上西洋素描的观察方法运用到山水画中，画面雄浑博大，极有冲击力。吴湖帆先生、梁树年先生和陆俨少先生皆从诗意中求画境，诗画都攀升到很高的境界，当代涌现出了许多颇有成就的画家，如白雪石、钱松岩、宋文治、亚明、石鲁、何海霞等诸位前辈，他们共同都遵循着延续发展传统的模式，又通过“师造化”对祖国大好河山的实地写生，重新认识攫取新的素材来进行创作。纵观当前审美需求以及时尚，画家们都肩负着很高的责任，画家要用自身所具备的能力运用创新的艺术语言赞美当前的大好形势以及祖国的壮丽山河，这才真正代表了弘扬先进文化的民族责任心。当代画家应珍视自身的价值和机遇来要求自己，用更高的创作标准以及诚恳的态度来完善自己。

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中国画的艺术价值主要体现在两个方面，一是他的审美价值，二是他的学术价值。

首先说说中国画的审美价值体现在哪里。中国画的审美价值由低向高，由表及里，有三个层次。

第一层是画面的形式美或叫物像美，就是我们肉眼能直接看到的笔墨、线条、色彩、构图、自然界的各种万事万物。这种在外的、具体的东西会直接带给欣赏者感官上的刺激与震撼，从而产生愉悦或感动。

第二层是艺术家在作品中体现的技能技巧美或叫艺术家的表现力。就是艺术家在作品中体现出来的独具匠心的构图、充满张力的线条、鬼魅斑斓的色彩等等，欣赏者从中可以感知艺术家的功力、学养、审美情趣等等，从而得到美的享受。

第三层是作品中呈现出来的意境美或神韵美。中国画最讲究的就是诗情画意，讲究无画处尽是画，讲究画外有画。艺术家通过有限的画面去激发欣赏无限的想象，从而让欣赏者沉浸在画面里或艺术家所营造的情感氛围里，从而带给欣赏者无限美的享受，甚至带给他们启发、引导，实现精神情感的升华。

然后再说说中国画的学术价值。在中国画发展的几千年的历史长河中，群星璀璨，光彩夺目。正是因为每一个时代都有许多艺术家在继承传统的过程不断创新，在突破重构中不断发展。各种流派、各种画风精彩纷呈，标榜史册。成为后人的楷模，同时也由一个个创新变成经典，成为后来继承者新的传统。这也正是艺术最大魅力与价值所在。如果艺术没有创新，我都不敢想象世界会变成什么样子。如果艺术没有创新，几千年下来，千变一律、一成不变。那世界会是多么的单调，生活会是多么的枯燥无味。

所以每一个艺术家的使命就是创新，就是通过毕生的努力去创建自己的艺术语言，形成自己个性独立又具有审美价值的艺术作品。贡献自己在美术史上应有的学术价值。如赵孟頫、苏东坡、石涛、董其昌、八大、吴昌硕、齐白石、黄宾虹等等一代大家，都功勋卓著，贡献了他们独具魅力的艺术价值。