一、中国画的线描、工笔、写意什么意思？

　　工笔-就是细致的写实 　　白描-中国画技法名。单用墨色线条勾描形象而不施彩色的画法。有时略敷淡墨作为渲染。源于古代的“白画”。 　　线描-是素描的一种，用单色线对物体进行勾画 　　工笔亦称“细笔”。与”写意”对称。中国画技法名。属于工整细致一类密体的画法。用细致的笔法制作，工笔画着重线条美，一丝不苟，是工笔画的特色。如宋代的院体画，明代仇英的人物画，清代沈铨的花鸟走兽画等。北宋韩拙《山水纯全集》有“用笔有简易而意全者，有巧密而精细者”之说，工笔的要求乃属于后者。著名的工笔画家有张萱、王维、赵佶等等。 　　工笔画的技法有，描，分，染，罩， 　　所谓描指的是白描，画者分别用浓磨，淡磨瞄出底稿，分是指用磨色上色，用清水分蕴开来，表现出画面的层次，染和分是一个意思，只不过用的不再是磨色，而用彩色来分蕴画面，罩色指的是整体上色，比如整片叶子上的绿色。 　　传统认为颜色应薄上，但是要表现出厚重的感觉，往往一遍遍用较薄的颜色反复上色，最终形成一种多层叠加的厚重效果。薄上色法可以说最好是把握在用绢画时，手放于绢面之上抚摸画面不觉有色的粗糙感，而还能清晰地感觉到绢丝的经纬。我们今天看到的许多古画上，都有着细腻而厚重的色彩，颜色的质地很细。其实这里还要说明一点，重彩中的重，是厚重的意思，而不是厚厚的颜色。所以不是画的颜色越多，越是符合重彩的需要。今天随着岩彩画的兴起，有些画家追求色彩的厚画法，向油画一样的做肌理，这又是另一种手法，但是这仅限于岩彩画使用较多。在今天大部分绘画中，还应该是厚薄结合比较好，在我的画中就是尽力在尝试厚涂与薄画结合使用。 　　关于用白的问题： 　　在国画中，特别是工笔画中，白色使用的概率还是比较高的。但是它并不是为了增加厚重感。白色可以用于画领口、袖口；衣服上的图案；土裙（就是仕女最下面穿的裙子）；以及和其它颜色混合出的肤色等等…… 　　厚重感在前面已经提到，它是多层叠加出的效果，而不是简单的通过加白达到的，国画中的白要小心使用，锌钛白（锡管装的）中的胶性很大，一旦画上就不好去掉，所以要十分慎重。特别是蛤粉（粉末状），这种颜色在使用中十分不稳定。在加胶时，只要蛤粉一湿立刻变得十分透明，但是在颜色完全干透以后又显得特别的白，在染时要全凭经验十分不易。因为白色是覆盖性色彩，所以在使用时多使用勾填法，留出墨线贴着线的边缘完成涂色，要做到色不压线、色不离线。在画一些工笔的白花时，有时需要用薄涂法淡淡的罩几遍白色，然后在用曙红或豆绿分染，就形成了白花洁白、明亮的效果。用化学合成的颜色会有许多杂渣，大家可以先用少量水把色调开，过几分后倒上面的颜色用，这样颜料中的渣就没有了。画工笔时最好少调色，几种色调在一起，颜色也会灰，尽量用原色。用花青色时最好加点墨，可以去火气。画白色时，可以加入少量珍珠粉〔最好过期的，要不费用太高〕，这样的白色很白，有光泽。 　　传统国画颜色介绍： 　　石色（不透明色）：石色即是矿物质颜色，石色除了使用在绘画中，还应用于壁画、建筑彩绘等地方。在我国古代，画家们有一套十分系统而完整的使用石色的方法，但随着明、清画家对工笔绘画的认识逐渐淡薄，所以，传统制造石色的方法几近失传。今天有许多学者到日本学来了当年日本人从我国学去的制颜色方法，才有现在较为丰富的品种供画家使用。 　　石色主要包括：朱砂、朱磦、石青、石绿、雄黄、雌黄、石黄、黑石脂、云母粉、蛤粉、赭石、土黄、珊瑚粉和其他宝石类颜料粉以及新研制出的高温结晶颜料等。 　　需要说明的是：石青与石绿一般分类较细：分成头青、二青、三青、四青等头青色最重，四青色最浅，石绿同理。 　　水色（透明色）：水色主要是由一些天然植物为主材料，配以少量动物质材料、矿物质细粉颜料组成。石色与水色一般是相互结合着使用于国画中，已达到浓淡相间、虚实相生的丰富效果。 　　水色主要包括：朱磦、胭脂、西洋红、藤黄、赭石、花青、水彩色与丙烯色等。 　　需要说明的是： 　　1、朱磦是朱砂最细的形态，所以有些画家在使用时以薄涂法来形成水色透明的颜色效果。 　　2、西洋红：在国画色中的名目较多，又叫做曙红、牡丹红等。 　　金属颜料：画家使用金属颜料由来已久，最早是在唐朝。金属颜料主要是金箔、金粉；银箔银粉。金箔一方面使用在背景上，另一方面主要是使用在局部贴金。 　　金箔有四个品种： 　　紫赤金（略带红色）：主要贴寺庙中的佛像。 　　库金（足金金箔）：绘画中常用，往往是98%的纯金和2%的纯银合成。 　　大赤金（略带黄色的金）：又称冷金，70%的纯金，相当于18K金。 　　田赤金（呈淡黄色）：相当于14K的金。 　　银色相比之下不是太常用，故不细说。 　　1、画黑的颜色有几种办法，一种是用淡墨一遍一遍的上，直到达到黑的效果为止。画时注意，要是想达到黑色偏暖的话就用油烟墨；想要发冷的黑的话用松烟墨。另一种是厚涂法，用国画色（上海马利牌颜料）中的黑色，涂几遍就能达到很黑的效果。在绢上尤其明显。（这可是秘密噢） 　　2、现在许多画家抱怨赭石色不好用，与墨或花青调好后会形成沉淀，几乎每一种赭石都会有或多或少的这样的现象。其实不是颜色的问题，而是对颜料性能不了解，赭石基本上其中的矿物质还是较多的，这和植物色的花青是无法调和的，两者不容；同理，赭石与墨也就不可能调和了，这不是颜料的问题。正确的使用方法是：把颜色分开使用就会自然调和，即先上赭石，再等干了往上叠加其他的颜色，这样就不会出现“出渣子”的现象了。 　　3、从我的经验上看，水彩颜色是可以使用的，但是要注意要用性能较稳定的水彩颜色，比如日本的、英国的，如果怕在装裱时“跑”可以在水彩色中稍加一些胶就可以了。另外还可以用丙烯颜色，性能也很好，但是要注意丙烯色中的胶性较大，如果颜色画错了，颜色干后就无法洗掉了。 　　天雅矿物色、新岩、水干的使用方法 　　矿物色、新岩、水干的使用方法其实很简单，只要兑上胶液即可作画。 　　（一）胶的溶化：胶的溶化是“岩彩”画中的第一步，也是主要的一步。它的浓和淡直接影响画面着色的效果。浓了易开裂，淡了易剥落，只有恰到好处。你的画也就成功了一半。 　　（1）明胶的溶化方法：将所需用量的明胶倒入小碗，先加入4倍凉水泡5分钟后再加入五倍的70OC热水，用筷子充分搅拌开胶粉。如果有疙瘩，说明未完全溶化胶粉，需继续搅拌直至疙瘩全部溶化。 　　※因明胶是由动物生皮熬制而成，未去掉其骨胶原以外的蛋白质椭?菊庑┏煞荩??栽诘褪椅伦刺?率褂檬被岢鱿指泶瘢?丛?讶芑?说慕阂杭尤取?br> 　　※溶化后的胶液保质期限：用完后放入冰箱夏天约3~5天，冬季约一至二星期。 ※另一种颗粒状的“骨胶”比明胶的接着力要强，且不易凝固，但需熬制。 ※绘画用的日本鹿胶分三千本胶、干燥鹿胶、软韧鹿胶、特殊鹿胶。它们有固体的，也有液体的。它们是专门为绘画而研制的胶，去掉了其中的蛋白质和脂肪，不易凝固和腐臭；尤其是液体的瓶装鹿胶随取随用使用方便，永不腐臭；固体鹿胶需熬制。 　　（2）固体鹿胶的溶化方法：将三千本胶一根掰成几小段放入杯中注入300ml清水，再加入一粒方型的干燥鹿胶或软韧鹿胶，放置半小时。后用温水隔水蒸化即可。※加入方形鹿胶粒的目的是增加接着力和防腐臭。 　　白描是中国画中完全用线条来表现物象的画法。有单勾和复勾两种。以线一次勾成为单勾，有用一色墨，亦有根据不同对象用浓淡两种墨勾成。复勾则光以淡墨勾成，再根据情况复勾部分或全部，其线并非依原路刻板复迭一次，其目的是为加重质感和浓淡变化，使物像更具神采。复勾线必须流畅自然，否则易呆板。物象之形、神、光、色、体积、质感等均以线条表现，难度很大。因取舍力求单纯，对虚实、疏密关系刻意对比，故而白描有朴素简洁、概括明确的特点。中国古代有许多白描大师，如顾恺之、李公麟等都取得了突出成就。白描多见于人物画和花鸟画。 　　（一）单勾：用同一墨色的线勾描整幅画的叫一色单勾。用浓淡不同墨色勾成的，如用淡墨勾花，浓墨勾叶叫浓淡单勾。要求线描准确流畅、生动、笔意连贯。 　　（二）复勾：先以浓墨全部勾好，再以浓墨对局部或全部进行勾勒叫复勾，多以加强所描物象的精神和质感。 　　在中国绘画中,线描既是具有独立艺术价值的画种（白描），又是造型基本功的锻炼手段，还是工笔画设色之前的工序过程。线描不仅可以勾画静态的轮廓，还可以表现动态的韵律。用线和空白还可以谱写出一支支和谐流动的线的协奏曲。中国历代画家对线有着深刻的认识和高超的创造，他们用千姿百态的线，抒发情感，描绘自然，使“线”在艺术作品中有独特的魅力。 　　元代《朝元图》就是很好的代表 　　以上从中寻得

二、谁有工笔画线描及线描稿的图片？

这样的白描底稿我有几本，由于绘画需要被我拆开了，现在是单张的，也有自己绘制的底稿，淄博开元文化市场也有卖的价位也很合适。

三、ps线描提取技巧？

1. 简答

PS（Photoshop）线描提取技巧是一种将图像以线条形式呈现的方法，使得图像更加简洁和明确。这些技巧包含一系列PS工具和滤镜，并涉及对图像颜色、明暗等参数进行调整。

2. 深入分析

以下是关于如何使用PS进行线描提取的详细分析：

- 第一步：选择要素

    要创建线描图像，首先需要选择目标对象，该对象应该是有较强对比度和清晰度的图片，比如卡通画或印刷品等。通常，描线应清晰而不失真，可以使用高配置的数码单反相机来拍摄。但如果你只有已扫描或从网上下载的低质量图像，也可以尝试进行一些后期滤镜处理。

- 第二步：通过调整亮度和对比度来优化图像

    在准备好要素后，需要使用PS中的亮度/对比度、曲线等工具调整输入图像的基本参数。色彩、亮度和对比度的合理调节可以使图像更清晰、更饱和度和更加高清。

- 第三步：选择描线过滤器

    接下来，选择适合该图像的线描过滤器。在PS中，有很多种描线过滤器可以使用，每种过滤器都有不同的参数和效果，这取决于图像大小、亮度和对比度等因素，所以需要不断尝试和调整，直到满意为止。

- 第四步：应用其他过滤器

    可以添加其他图像过滤器来增强描线效果，如高斯模糊或锐化。例如，锐化可帮助使线条更加清晰，而模糊则将图像平滑化。此外，还可以通过透明度工具调整描线效果，以便进一步定制输出图像。

3. 建议

以下是使用Photoshop进行线描提取时的一些建议：

    1. 熟悉PS工具和滤镜

    熟悉PS中可用的工具和滤镜，以便在处理图像时快速调整和获得所需的效果。理解滤镜设置、曲线和色调、高斯模糊等参数对最终结果的影响。建议练习并了解各种工具和其效果，以便达到想要的描线风格。

    2. 从图像质量出发

    使用高质量的图片会使线描提取非常容易，并且可以产生更加清晰、明确的描线效果。拍照时建议使用十分精细和清晰的数码相机，以保证图像贝非常好的质量。

    3. 为输出和应用定制化

    要根据所需结果选择滤镜和工具，然后再添加一些自己风格的修改。如果目标是描绘卡通画或印刷品等非常类似类型的作品，则推荐使用调整颜色、亮度或对比度的方法，以进一步定制描线地形。

总而言之，使用Photoshop进行线描提取需要一定的技术和实践经验，但针对不同图片可能会导致不同的问题，因此需要持续进行探索和尝试，以获得最佳结果。

四、先学线描还是先学国画？

1、小孩子学画画要先从基本功练起，一开始最重要的是练习线条，可以从涂鸦或者速写开始，练习线条造型。在线条平面造型比较好之后就开始学习素描，掌握立体绘画的要点，多进行练习，中间搭配写生练习或者速写练习，等到技术成熟之后再练习水粉、油画或者国画等。

2、小孩子一开始不能先学国画，国画是一种需要长久练习并且比较讲究意境的绘画，小孩子一般会比较难理解，而且没有基础会比较难学习，所以小孩子学画画还是先从基本功素描和速写开始。

3、素描是练习涂鸦之后进行美术创作的第一步，先学会熟悉用笔，才能将所见所想展现到现实当中来。素描是通过简单的线条，或者成面、块来表现物体景象的美术表达形式，它能够训练和观察表现客观物体的形体、明暗、结构、质感、量感以及空间感的能力。

4、速写就是快速的用简单有力的线条，扼要的表现实物的神态、形体等主要特征，大体轮廓勾勒得当，粗中带细，看似简单，其实对作者的观察力及手法的基本功要求很高。

五、线描和国画有什么区别？

线描是素描的一种，用单色线对物体进行勾画，也是整幅画都是用不同的粗细、大小、曲直、的线条等构成的画，线描也叫白描是用单色线对物体进行勾画，在中国绘画中,线描既是具有独立艺术价值的画种（白描），是造型基本功的锻炼手段，线描可以勾画静态的轮廓，也可以表现动态的韵律。

国画在古代无确定名称,一般称之 为丹青,主要指的是画在绢、宣纸、帛上并加以装裱的卷轴画。近现代以来为区别于 西方的油画(又称西洋画)等外国绘画而称之为中国画,简称“国画。

六、勾线笔和线描笔有什么区别？

勾线笔和线描笔不一样。

勾线笔用于绘画创作，尤其是工笔绘画，漫画创作，水粉创作时对作品的勾勒。线条较细，多为狼毫勾线笔。笔头有大小长短之分。

线描笔是"工笔画"勾边的"细小笔头"狼毫笔".用法讲究:要根据"画面要求"选用 大小不一 软硬适宜 含色多少而定.用笔勾络要求"细致匀称"不断笔.这种笔并不贵,买时要耐心细心"挑选".

七、各位前辈，请问成人学国画必须从线描、工笔学起，最后才能画写意吗？谢谢指点？

成人学国画必须从线描学起，才能画写意，工笔可以不画，但线描是人物画基础，必须学习。

八、国画工笔画花草的上色步骤与技巧？

先勾勒线条，然后进行分染上色。注意颜色要一遍一遍来。不能操之过急

九、静物线描构图方法和技巧？

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画静物时，通常选择一个主体物重点深入刻画，突出主体物，使画面主次关系明确。为了让人很自然地就看到画面的精彩主体物，就很忌讳在画面的视线切入点处放置物体。

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构图时应将两物体错开位置，在选择的视角下，两物体的中心不要重叠;当两物体发生遮挡时，一定要注意空间关系，把两物体的底线位置交代清楚

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　画面中固有色的黑白灰色块的安排要均衡，重色块或亮色块都集中在一边会使画面失去平衡。熟练地运用固有色的重托亮、亮托重、灰托灰等对比关系，会使画面层次丰富，效果强烈。

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　构图中光源的安排一般采取正面偏左或者偏右的光源，受光部约占静物体积的3/4，这种光源比较好表现，容易塑造静物且很容易出效果，尽量避免出现纯逆光或纯顺光的光线，增加自己的表现难度。

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运用好物体的位置及高低对比关系，主体物要放在视觉中心的位置，以增强画面的视觉冲击力，一般在黄金分割线的位置，其他物体要围绕主体物来摆放

十、中国画的流变是线描什么和写意？

中国绘画的历史是用线穿起来的，中国画的线累积了中国历史文化，这些都是中国画线条独特的艺术魅力与价值。中国传统的绘画强调“情景交融”、“虚实相生”“以形传神”等等为审美要求，呈现出浓重的写意性。

中国画的线条发展自新石器时期就已经开始了，它最早在新石器时期的彩陶文明中出现，《鹳鱼石斧图》是彩陶时期最为著名的作品，就在此时，已经开始孕育着中国画传统的艺术表现手法——线描和没骨。

到了战国时期，我们的祖先选择在轻薄的帛上作画，在这一时期，我国现存最早与线条相关的画作《人物龙凤图》和《从物御龙图》的出现，标志着中国的画作已经进入了线条造型的时期。

在魏晋，中国绘画开始系统地理论化，出现了大量的绘画理论，顾恺之的线条风格被称为“春蚕吐丝”， 这一绘画风格把绘画技术推向了一个新的高度，其作品《女史箴图》和《洛神賦图》代表魏晋时期人物绘画的发展动态。

到了隋唐时期，线条的功能不断拓展，成为传情达意的重要手段，这一时期的画家善于展现出长裙飘舞，款款而行的动感。最为著名的就是画圣吴道子。

宋代之后，中国画线条从原有技法程式中解脱出来，逐步走向成熟，并形成18种基本勾线方法,即“十八描”。

从线条的演变与发展过程中可以窥见中国艺术家的心路历程，中国画的线条已不仅仅是界定物与物的形态的单一定位， 而是经过画家的心智洗练过的一种精神的产物。