国画色彩和笔墨的关系？
中国画笔墨和色彩的发展，在各个时期并不是齐头并进的。中国画最早采用的表现形式是色彩和线条。
早在新石器时期，彩陶就采用了这两种形式。仰韶文化的人面鱼纹彩陶盆、三鱼纹彩陶盆和马家窑文化的漩涡纹彩陶瓮、舞蹈纹彩陶盆上面绘制的鱼、蛙、鹿、鸟、舞乐、人面以及各种纹饰。
彩陶是在橙红色的陶坯上，用、黑、白和天然矿物质颜料赭石进行描绘。古朴的色彩，豪放的纹样，大小不一的点线面的装饰美，显现了色彩与线条相辅相成关系的雏形。
可以说，用笔工具是形成中国画艺术表现方式的前提条件。彩陶上各种各样的生动灵动的线条美，是形成中国画用笔技法的源头，而天然矿物质颜料，可以说是今天中国画颜料的鼻祖。
笔墨”是中国绘画从古至今绕不开的传统语言，是中国画的灵魂和核心。中国画的意境营造和气韵的生动性要依赖“笔墨”来呈现。
笔墨之美：力度美，节奏美，韵律美，动态美，气势美。
色彩之美：清新淡雅，造型艺术中的色彩搭配完美。水墨与颜色相比，可收到多姿多彩的墨趣，其层次之多和意外之变化都是任何色彩所难以奏效的。很难想象，没有坚实的笔墨基本功，而单凭色彩会成一个好的中国画家。
中国画的核心理念？
近日，列支敦士登国家博物馆举行了一场特殊的国际学术论坛。列支敦士登国家博物馆馆长雷诺·沃康摩尔作为学术主持和主旨发言人，邀请了来自列支敦士登、德国、奥地利、新西兰和中国的多位艺术家、评论家，在线上共同探讨抽象艺术在跨文化语境下的美学和诗学体验。在以“诗意的表达与中国文化”为主题的演讲中，艺术家李磊讲述了他的艺术理念。
有人认为中国的绘画从唐宋开始就形成了基本的绘画形态，此后就没有很大的改变，尤其是山水画，在唐宋之后几乎没有变过。持有这种观点的人是不了解中国的绘画。就像有些人到了欧洲，觉得欧洲的绘画似乎也几百年没变过，画得都差不多。其实，每个时代的绘画艺术都在变化，但是有一点不变，就是绘画的核心理念不变，核心的方法没有变。
诗意的表达是中国绘画的核心价值。画家画的山水，实际上不是画那个作为客观对象的山水，而是画自己的内心。纸上山水是画家内心的表达。当我带着不同的情绪、不同的情感，就会画出不同的山水。
1000多年前的《溪山行旅图》是北宋范宽的名作，这幅画有一种恢宏的气象。700多年前的倪瓒，他画的不是那种满满的山水，而是简远萧瑟的景象。明朝后期的董其昌，是中国绘画的集大成者，他的绘画和书法都非常有特点。郑板桥画竹是一绝。他有一首著名的诗：“咬定青山不放松，立根原在破岩中。千磨万击还坚劲，任尔东南西北风。”他画竹子表达的是一种精神境界，要做一个像竹子一样的人，遇风能弯，但是不能折倒。近70年前，齐白石有一幅作品叫《蛙声十里出山泉》，画上的小蝌蚪会让人产生很多联想，这些联想包括音乐性的联想和文学性的联想。
在中国传统文化中，诗歌、书法、绘画是融合而统一的，不仅是思想境界上统一，在视觉表达上也是融合的。我在自己的作品中也一直在寻找视觉的诗性表达。这种诗性的表达被一些西方艺术家认为是中国式的抽象，对于西方观众来说是一种新的抽象。这种新的抽象注入了更多的文学性和音乐性，更注重情感表达。我曾经用一年的时间用木头刻了3000个骷髅，表达对于生命的一种追问。我还做大型的写实雕塑，比如系列雕塑《被缚的天使》表现绳索对破碎生命的捆绑以及跨越时空的穿越。在《醉湖》《步行十里去看桃花》等作品中，我表现的是人与自然的关联。我希望用幻想把时空打开，采用时空穿越复合的方法进行创作，但是不管作品的表现方式多么复杂，核心都是以诗意贯穿其中。